CROMA BIENAL 2021
COSTA RICA COUNTRY CLUB
Tema: “El poder del color”
Obra: "El color es vida: Al pollo como se le mire"
Óleo sobre tela. 150 x150cm con impresión sobre papel 15 x15cm. 2021
Este trabajo toma como punto de partida la práctica de teñir pollos, una acción comercial normalizada durante décadas en diversos países de Asia, Latinoamérica y Estados Unidos, para explorar las relaciones entre comportamiento humano, maltrato animal y poder.
La obra invita a cuestionar cómo percibimos esta imagen: para un comerciante representa capital, para un niño, una mascota; para un adulto, quizá, un recuerdo teñido de nostalgia. En todos los casos, la vida del animal queda relegada a un plano secundario, pese a que la mayoría de los polluelos mueren poco después de ser teñidos.
Utilizando la pintura como medio —y reconociendo su capacidad para embellecer y normalizar discursos—, se plantea un ejercicio de participación activa: un mapeo de la obra dividido en secciones que el público puede colorear o replicar. El acceso se realiza mediante una lámina superpuesta sobre la pintura, en la que los colores se distribuyen en función del tiempo de vida estimado para cada pollo, según el tinte aplicado.
Más allá de este gesto puntual, la obra propone una analogía con prácticas sociales contemporáneas, preguntando de manera inquietante: ¿Cuántas veces hemos sido "teñidos" sin siquiera darnos cuenta?
Se dice que el poder más eficiente es el que no se ve, el que se ha instalado de un modo tal que se presenta invisible, naturalizándose o normalizándose, propio de las estructuras donde habitamos.
"El color es vida: Al pollo como se le mire"
Óleo sobre tela. 150 x150cm con impresión sobre papel 15x15cm. 2021Guía para colorear pollos según sus horas de vidaINQUIETA IMAGEN 2019
MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO
SAN JOSÉ, COSTA RICA.
Obra: "Irse de G(P)ollo".
Óleo sobre tela. 188x100cm. 2019
“Esta propuesta busca ser un híbrido entre pintura y lo que podría parecer un fotograma de un video que detuvo el tiempo de su reproducción. La imagen pictórica se eligió como consecuencia a una campaña de mercadeo en Costa Rica en el cual se invitó a personas particulares a ser “Gollo por un día” pudiendo utilizar el traje de este personaje previo a un evento deportivo. La publicidad giraba en torno a la repetición, para que los observadores y asistentes del encuentro futbolístico averiguaran cuántos de estas botargas habían invadido “la cancha”.
Así es como se reutiliza la repetición como figura retórica envolviendo a los observadores en una plática absurda proyectada en la obra a través de subtítulos, sin tener un principio ni un final. “Irse de pollo” es una frase popular costarricense que se utiliza para hacer referencia a la ingenuidad de alguna situación”.
Texto curatorial
Publicidad tomada de facebook
"Irse de G(P)ollo". Óleo sobre tela. 188x100cm. 2019Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. San José, Costa Rica. 2019“MODERNOS Y UNIVERSALES” 2019
MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO
SAN JOSÉ, COSTA RICA.
Obra: “Entre la contrición y el salchichón”
100x188cm / 101x76cm. 2019
La culpa, esa fuerza silenciosa que modela gestos, cuerpos y relatos, se despliega aquí entre el absurdo y la ternura. La figura retratada —capturada en un acto minúsculo, casi cómico, casi ritual— parece debatirse entre una gravedad interior y la banalidad de su acción: un pequeño forcejeo que, al ampliarse sobre el lienzo, adquiere dimensiones existenciales.
Este díptico nos enfrenta a la relatividad del pecado y al peso desproporcionado que a veces cargamos sobre actos inofensivos. ¿Dónde empieza realmente la culpa? ¿Qué tan serias son nuestras faltas cuando se miran desde afuera? Lo que para uno puede ser motivo de contrición, para otro no es más que un episodio absurdo: ¿robarse un gallo de salchichón?
La obra invita a pensar en la estructura invisible que nos enseña a sentirnos en deuda, a pedir perdón por errores que a veces solo existen en nuestra percepción. Entre la solemnidad y el humor, entre lo confesional y lo cotidiano, "Entre la contrición y el salchichón" nos recuerda que incluso nuestras culpas pueden ser, al final, tan ligeras —o tan ridículas— como la narración que en estas pinturas aparece.
“Entre la contrición y el salchichón”. 100x188cm / 101x76cm. 2019
Mi madre Lilliana (la modelo de la obra) en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. 2019
Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. San José, Costa Rica. 2019“ESTE PAISAJE SI LO PUEDO ENTENDER” 2019
MUSEO DE ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO
SAN JOSÉ, COSTA RICA.
Obra: "Cuánto pesa una vaca?"
Óleo sobre tela. 60x90.2cm. 2018
La vaca, pesada y mutilada, sostenida inútilmente por paracaídas, recuerda al perro semihundido de Goya: ambos representan seres atrapados entre la esperanza y la condena. Como el perro que apenas asoma la cabeza del abismo, la vaca suspendida simboliza ese esfuerzo frágil y desesperado por resistir un destino inevitable.
"Cuánto pesa una vaca?"Óleo sobre tela. 60x90.2cm. 2018
Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. San José, Costa Rica. 2019SALÓN NACIONAL 2019
MUSEO DE ARTE COSTARRICENSE
Obra: “Obit anus, abit onus”.
250x188cm / 20x20cm. 2019
Esta propuesta pictórica busca cuestionar la identidad costarricense a partir del paisaje, tomando como punto de partida la visión vallecentralista que ha dominado históricamente tanto el imaginario colectivo como las decisiones gubernamentales. Casos recientes, como las declaraciones de la diputada María Inés Solís en 2018 o la polémica surgida por la referencia de Costa Rica como una "finca", evidencian la persistencia de esta perspectiva centralizada.
El díptico presentado utiliza dos bastidores de dimensiones desiguales para enfatizar estas tensiones. La figura de un mamífero gigante, con extremidades duplicadas e invertidas, actúa como alegoría del vallecentralismo: una fuerza inmensa pero desorientada, inspirada en el “Coloso” atribuido a Goya. Frente a esta imagen, The Cabin in the Wata —ícono del calipso limonense popularizado por Walter Ferguson— representa la riqueza cultural invisibilizada de las periferias.
La disposición de las piezas obliga al espectador a bajar la mirada para descubrir la obra más pequeña, subrayando así las jerarquías y los olvidos en la construcción de la identidad nacional.
“Obit anus, abit onus”. 250x188cm / 20x20cm. 2019
Izq. Pintura del díptico “Obit anus, abit onus”. 20x20cm. 2019
Der. Fotografía de la casa de "Bato" que inspiró "Cabin in the Wata"
Salón Nacional 2019. Museo de Arte Costarricense.CERTAMEN BANCARTE 2018
ASOCIACIÓN BANCARIA COSTARRICENSE
Tema: “San José después del 2000”
Obra: “Bienvenidos” Un estudio sobre dicotomías josefinas.
Óleo sobre tela. 100x180cm. 2018
Partiendo del concepto de la dicotomía —la división de un objeto o idea en dos partes complementarias pero separadas—, esta propuesta explora los contrastes que definen el paisaje urbano de San José tras casi dos décadas de transformaciones.
La obra toma como referencia dos edificaciones icónicas: las Torres de Paseo Colón y un supermercado Palí que se ubica a su lado. Sin buscar oponerlas directamente, se las utiliza como símbolos de tensiones visibles en la capital: la creciente brecha socioeconómica, el caos de la planificación urbana, y la coexistencia de estéticas dispares en cada rincón de la ciudad.
La intención no es señalar una única dicotomía, sino invitar al espectador a reconocer, nombrar y reflexionar sobre las múltiples tensiones que perciba, según su propia experiencia de San José. Cada mirada completa la obra de manera única.
El gran formato (180 cm) y la composición vertical enfatizan estos contrastes desde la primera impresión visual, obligando al espectador a recorrer físicamente la imagen de arriba a abajo. La elección de la pintura, más que un recurso técnico, permite equilibrar color y detalle de forma que una fotografía no habría logrado, subrayando así la paradoja y la convivencia de realidades opuestas en un mismo espacio urbano.
“Bienvenidos” Un estudio sobre dicotomías josefinas. 100x180cm. 2018 
Certamen Bancarte 2018. Museos del Banco Central. San José, Costa RicaSALÓN NACIONAL 2017
MUSEO DE ARTE COSTARRICENSE
Obras:
“Minuto de Polietileno en una tarde cualquiera“.
Óleo sobre tela.90x120cm. 2017
“Aguinaldo”
Óleo sobre tela. 34x55cm. 2016
La propuesta reúne dos obras que, a través de la manipulación de la imagen y el uso de la pintura figurativa, buscan provocar un choque visual en el espectador. A partir de lo absurdo como recurso estético, las piezas actúan como catalizadores para reflexionar sobre el “vacío social” que atraviesa a las sociedades contemporáneas: la soledad, la fobia social, el estrés, la depresión y el consumismo como forma de escape.
Inspiradas en el artículo El neoliberalismo: causante de la soledad y el desmoronamiento de la sociedad de George Monbiot (2016) y en una reflexión personal del artista, las obras funcionan como retratos sociales de una crisis mental colectiva.
En un contexto de saturación visual y alienación, donde rara vez se cuestionan las imágenes que consumimos, estas pinturas buscan interrumpir la inercia cotidiana, invitando a una pausa crítica y a un diálogo sobre las fragilidades que nos atraviesan.
“Minuto de Polietileno en una tarde cualquiera“. Óleo sobre tela.90x120cm. 2017
"Aguinaldo". Óleo sobre tela. 34x55cm. 2016
Salón Nacional de Artes Visuales, Museo de Arte Costarricense. 2017